viernes, 31 de diciembre de 2010

Feliz fin de año!

Estuve muy complicada en estos días, tengo post escritos  sin publicar que definitivamente ya no   serán publicados hasta el próximo año.  Para su suerte, estoy tan pero tan apurada que este post no será un balance del 2010 que pasó! (agradezcanme) Así que no tendrán los mejores films del 2010 porque simplemente vi como 340 films este año, y la gran mayoría de ellos por suerte me fascinaron, así que escapemos al balance peligroso... y celebremos todas las películas que veremos el proximo año!

Saludos!  y un muy Feliz 2011!!! (les dejo una postal de mi autoría, hecha a ultimo momento como siempre, que el tiempo me corre!)

2011

Esto  es todo por hoy amantes del septimo arte!!!

miércoles, 29 de diciembre de 2010

Movie # 382 Dear Wendy (2005)

Es cierto, lo admito, la estaban dando en Europa Europa, y me quedé viéndola, sólo porque tengo para ver en la seguidilla de los films del 2010, a Submarino, que también es de Vitenberg, por lo que me agradaba la idea de  tener otro con el que comparar.

Primero comencemos por el guión de Lars, que "se nota es de Lars" por todas partes: tanta locura y acidéz critica y genialidad obviamente le pertenecen, y Vitemberg se encarga de magnificarlo.

Segundo sigamos por aquellas personas que se tomaban enserio el Dogma 95 ¿acaso se puede tomar en serio? ¿quien puede  tolerar que le hablen en items y pasos a seguir sin pensar por un segundo  que le están tomando el pelo? ¿Quien puede creer en la solemnidad de una regla que esta enunciada desde una pura formalidad y sólo para romperse?

Tercero... el momento de  la reflexion...

Dear Wendy es  una crítica a  la sociedad norteamericana y su pasión por las armas. Y que mejor  que si vas a criticar lo hagas basándote en el género que expresa no solo su amor por las armas, sino  que es la quintaescencia de lo hollywoodense como lo es el Western. ¡Lars sos un vivo, como  sabes donde  tenes que hacer incapié si querés criticar! Entretenimiento para entretener convertido en una  ¿parodía mas que sátira quizás ? digna de un film  de autor.

Lo cierto es que iba a publicar esta crítica dos días antes, por ende, iba a oscilar acerca de  lo irrisorio de la  situación que desencadena que los chicos de este film  se conviertan en "misfits" es la palabra creo, traducida en castellano como "Bandidos" o "Forajidos" (aunque siento que ninguna de las dos se acerca demasiado al térnimo en inglés) Sin embargo, mi historía personal como siempre se mete de por medio, y debo  contarles que este  post, debía publicarse aproximadamente dos días antes, pero que mi "adorable compañía de Luz" cortó el suministro por aproximadamente 36 horas: 36 horas, 39 grados, y de pronto, el "irrisorio" argumento que desencadena en Dear Wendy, que los "Dandys" se sacrifiquen por una causa, no resulta tan irrisorio. De hecho, pese a que  mi realidad durante 36 horas se aproximaba mas a Weekend de Godard (pero sin los Hippies Canibales, todavía) me pude poner a reflexionar que bueno,finalmente lo único que necesitamos para saltar, gritar, y sacrificarnos por algo,  es una excusa. Nos encantan las excusas. (sino pensemos en las "causas" por las cuales se han declarado y se siguen declarando guerras, siempre excusas que cubren una causa menos  glamorosa y mas ordinaria: el poder,  la economia, etc) Claro que lamentablemente no tenía una Wendy para luchar contra mi compañía de luz amiga, porque sino, esto no era la realidad era Dear Wendy de Vitenberg.

Esto no es todo por hoy amantes del septimo arte!!

lunes, 27 de diciembre de 2010

Movie # 381 Poetry (2010)

Sabia que poetry seria algo dificil de ver, sobre todo para un domingo por la noche, en donde el agobio de las recientes festividades y un calor irrespirable preparan esa especie de coctail para que afloren los sentimientos. En otras palabras, llore como una condenada con esta película.
Encontré este film por la siguiente foto: -que forma parte del film-. Me cautivó de inmediato esa mujer, su pose, su garbo casi digno de una bailarina o una figura de porcelana.



La verdad es que no paraba de proyectarme en ella: una buena película es aquella con la que te identificas incluso por oposición. Es aquella que parte de la película pareciera proyectarse en tú alma y cuando eso pasa -no tanto como quisiéramos- sentimos que somos otros luego de ese film.

Yo fui criada por mi abuela.

A mis ojos esa mujer tenia tanto de mi abuela... Mi abuela que nunca grita sin importar la furia que sienta o decepccionada este. Que prefiere el silencio a una discusion terrible. Y pensaba y me ponía en el lugar de ella y del nieto - como  nieta que soy-. De como vergüenza y decepción se reflejaban en el rostro y la magnífica actuación de Jeong-hie Yun como Mija. Tanto que al final del film yo pensaba cosas como: "Resulta que mi abuela es más oriental y zen que lo que ella misma supone".
Poetry tiene el naturalismo y el encanto de Rohmer y su eterna historia de amor por el entorno en el que se desplazan los personajes; la mirada crítica sobre la moral burguesa y la ambiguedad de las clases medias dignas de un film de Chabrol, pero tomada desde la perspectiva de Bergman... En Fresas salvajes o Sarabanda (porque inclusoal  final de sus dias, Chabrol y Rohmer siempre trabajaron o buscaron trabajar con repartos de jóvenes sin esa mirada tan distanciadora que llega con los años o que algunos directores tienen sin importar los años) además de toda esa cuestión oriental que tiene de milenaria, posmoderna y machista. (de una mujer en una sociedad en donde los hombres se encargan de que las cosas se callen).

El guión es brillante porque tiene un golpe que te toma de sorpresa, justo cuando suponías que la historia iría por otro lado completamente distinto  Sobre el que no diré más nada. Luego de ese golpe el filme se constituye como algo obvio, para cualquiera que sepa mirar el film tiene un sólo final posible. Sutil y silenciosamente Mija es  la que carga en  si todo el peso, del film, del argumento, de la actuación, se dirige hacia ese brillante final (creo que uno de los mas lacrimógenos del año para mi).  Porque sólo una mujer puede entender el dolor de una mujer, y como dice mi abuela. Una abuela es una mujer que fue dos veces madre: de sus hijos y sus nietos. Por ende siente y se apena el doble. Mija tiene un corazón tan grande y ve tanto (como le aconseja su profesor de poesía) que no puede escribr poesia con las injusticias que le rodean. Un guion brillante, una fotografia fantástica, y tan sutil como el film. Una dirección de las verdaderamente excelentes: Chang-dong Lee debe ser uno de los mejores directores koreanos, sobre todo porque, muy pocos directores pueden darse el lujo de acercarse tanto al universo femenino -truffaut y Bergman en primer lugar, o mejor sus mujeres- y pocas veces se puede ver una actuación como la de Jeong-hie Yun. Ideal para Hellen mirren que dice no hay buenos papeles femeninos.(y para pensar que esta acrtiz se tomó 15 años de hiato entre este film y el anterior) Hoy por hoy como funciona la industria, tomarse un periodo de 15 años representa un suicidio. Para pensar  muchas  cuestiones y sobre todo en el tiempo...

Esto no  es todo por hoy amantes del septimo arte!

Movie # 380 Machete (2010)

A veces tardo tanto en escribir un post, esto es,  "se suceden varios días entre la visualización del film y el post" que siento, no es lo mismo que haber volcado toda "la pasión desenfrenada y verborrágica"  en su soporte digital acerca del film. Siento - valga las ironías- que los mejores post que tengo son aquellos en los que la razón  no media y escribo desde el mas desde el corazón que desde la distancia que nos da el  paso del tiempo, y el hecho  de que al paso del tiempo se le sumen otras películas sobre las que me estoy muriendo por escribir. En otras palabras: cada segundo que pasa, un film se vuelve  más viejo, y el post más aburrido de escribir, porque me cuesta demasiado trasladarme hacia el pasado y tratar de describir esas primeras impresiones que considero esenciales.  Este film  lo  vi el miércoles, y 4 días para una entrada es una eternidad... En ese aspecto este es un blog ingrato -lo tenía que decir- es ingrato porque considero que es mas importante la cantidad de  veces a las que necesitamos volver a ver un film que adoramos, que ver tantos film  en tantos días, corriendo esta carrera loca... pero bueno ya que la estoy corriendo... despees ya tendré tiempo para re veer todos los films que disfruté durante este blog.

Con cada film nuevo que hace, debo admitir que lo  quiero un poco más al Sr. Rodriguez. Si ya en Planet Terror casi pierdo la cabeza ante su genialidad, Machete es para ovacionarlo.
Machete no es para todo el mundo (mejor) los hombres lo van a adorar porque ronda y logra unir todas esas películas de "sábados de super acción" y series (admito que nunca había visto un film de steeven seagal, pero ignorarlo como figura de films de accion -de cualquier clase- es como tapar el sol con un dedo) están todas y todos. Y las mujeres no se, depende... yo mujer la amo, pero porque soy mas bien belicosa y guerrera, no me molestan que pongan mujeres bellas y amazonas a hacer la guerra y  el amor.... (Quedan bien y hacen que el mensaje llegue mejor a oídos de la platea masculina, nada de chicas objeto sino mejor de Bombas-sexy, reservemos a las mujeres promedio para todas esas historias sutiles no-revolucionarias y extremas como esta)

Machete es tan "explotation" que la amo. Es una sátira (y  como tal muy política) y eso también es para amar. Si Godard en Weekend ponía a las minorías a decir que, ellos se asegurarían posiciones bajas, se harían indispensables para las clases altas y desde allí atacarían. Rodriguez se encarga de ponerlo en  práctica -y no sólo vendiendole a los "norteamericanos" uno de los films mas contestatarios del año, porque el mismo se ha constituido un "Machete" dentro de la industria cinematográfica- argumentalmente, actoralmente, e ideologicamente, de la unica  manera que conoce: "la mexican way" (¿o guay?). Cuidate de tu  Jardinero la proxima vez Jullianne Moore!!!.

Sin Quentin T, tan  cerca. Robert tiene otro tono con las mujeres, diferente al de Planet Terror.  Sólo Robert puede hacer que la Lohan escandalice mas a cierta audiencia, mas vestida (la clave es de que) que completamente desnuda. Michele Rodriguez como SHE, es la que se lleva -para mi- todos los premios, la rompe, es una genia, esa mujer es TREMENDA! - definitivamente  hay  que admirarla-. Y bueno Jessica Alba, nunca me cierra aunque Robert hace que me cierre un poco más, pero le falta, ¿kilos? ¿fisico como a la rodriguez ? ¿soltarse un  poco mas sin miedo a la desfiguracion???... Quien  sabe, en ella hasta los discursos "pseudo revolucionarios" suenan un poco livianos, le falta peso  hasta en el discurso  a esa chiquita... A Salma no le flaqueaba el peso, extrañamos  un poco a Salma!!!

Increible trabajo sonoro (ej: el arma de steven tiene el sonido de la serie "six million dollar man"-que nerd que soy-!!!) y bueno el uso de imagineria que hace durante este TREMENDO (si lo se se estan cansando del adjetivo , pero es para hacer énfasis) Delirante, sangriento, mas que bajador de línea (geniales Deniro, Don Jhonson,  todos!!!) y  para los nostálgicos, "lleno de un reparto y citas de esos films de accion que amaban ver de los ochenta y principio de los noventa".

En pocas palabras: Rodriguez (EL, y ELLA), Trejo, IMPARABLES cuando una idea delirante  se une a una sátira política. Cuando lo "Nerd"y "Freak" se une a una agenda y  un propósito Una de las mejores películas del año -la verdad que hasta  ahora esta seguidilla  de film del 2010 no me defraudó-. YA MISMO QUIERO QUE VUELVA MACHETE!!! en : MACHETE KILLS AND MACHETE KILLS AGAIN!!!!

Esto es todo por hoy amantes del séptimo arte!!!

viernes, 24 de diciembre de 2010

Movie # 379 The Kids Are Alright (2010)

Ciertamente  esperaba un poco mas de este film, lo cierto es  que al terminar de verlo tengo la sensación  de  que la trama es digna de uno de esos Talk shows viejos y ochentosos: "tengo dos madres y ando buscando al donante de esperma que nos concibió a mi hermana y a mi".

Es como acabar de ver (no se si recuerdan o conocen al personaje gay de Avenida Q) un film sobre una pareja gay y republicana. Y es precisamente lo "republicano" que realmente me molestó en  la ecuación, y esa necesidad de reemplazar de una familia tipo de catálogo, y no un tipo de familia.

¡Dios es mas Burguesa y republicana que la familia bush! los personajes no tienen  apellidos, y los chicos de la familia, no están bien, los hijos están demasiado  BIEN! ¿adonde está  la adolescencia conflictuada? Mía no parece de 18, parece de 14 y no de 14 como  esa chica de 14 que dio a luz en gran-bretaña, 14 años de hace 10 años atrás aproximadamente. Y el unico  problema del hijo,es que está mas reprimido, el pobre rodeado  de tantas mujeres...( y que tiene a un  amigo psicópata, probablemente  para demostrar que los locos salen de familias promedios...)

Actoralmente, ellas hacen maravillas con los  personajes stereotipados que le tocaron, Julliane Moore es tan divina como siempre, pero ¿era realmente necesario  forzar a alguien como annete benning hablar dos tonos  mas grave, y enfatizar tan groseramente su papel  como "jefe de familia".

Lo cierto  es que las "familias tipo" nos tienen acostumbrados a tantas barbaridades que en este film todo anda DEMASIADO BIEN: el discreto encanto de todas esas charlas burguesas, y yo pensaba  en  el mega-stereotipado  personaje de Mark ruffallo (que el pobre tambien hace actoralmente algo interesante de ver con un personaje tan ...) para terminar de una manera tan "como si nada". De hecho mientras miraba  este film en mi cabeza se iban proyectando la version "a la francesa" de todo  esto (la hupert y chiara mastroiani, de pareja feliz, no se benoit magimel de donante....) y la versión Gus van sant  o Todd Haynes de todo esto (todo el mismo  reparto pero dirigido por algunos de los dos)

Lo interesante es que le pronostico muchos premios o muchas nominaciones a este film, y  es mas que nada por el trabajo de sus actores.  Por suerte, si vamos a tener la oportunidad de ver a Mia Wasikowska dirigida por el señor Van sant el proximo año  en Restless.

PD: la escena de Jullianne Moore  y su "jardinero mexicano" me enfureció tanto que tuve  que ver el proximo film que postearé a continuación. No podía dejar de pensar "que te haces la superior vos que formabas parte de una minoría discriminada, que  todavía sigue luchando por sus derechos!, que te hacés la importante norteamericana del ort!!!, Norteamerica es canadá y mexico tambien!!! Burguesa republicana detestable!!!" (pero claro, no es culpa de Julliane es culpa de la  guionista que pensó sería gracioso ver como el  personaje de Julianne actuaba como una idiota con su jardinero mexicano).

Esto es todo  por  hoy amantes del séptimo arte!

martes, 21 de diciembre de 2010

Movie # 378 Easy A (2010)

Me gusta el tonito de Emma Stone. Ya en Zombiland llamaba la atención pero es en Easy A donde ella se "banca" por así decirlo el peso de la comedia sobre sus hombros que se luce todavía más. Y está muy bien la chica, hasta para la  comedia física. (por lo menos no  balbucea ni hiperventila como Kritsin stweart).



Easy A es fantástica, para lo que es, esto  es  una comedia adolescente,  irónica, que parte de la premisa o mejor dicho de cierta escena de 16 Candles (la de molly cuando le da su ropa interior a Anthony michael Hall para librarlo de su reputación de Geek) para construir una especie de "homenaje" al cine (ahora tan de moda) de Jhon Hughes, pero lo hace bastante bien porque, no intenta disfrazar a los "adolescentes" de algo pretencioso que no son (como la red Social) aunque la mirada también sea nostálgica,- no nos dejemos engañar-,  sobre  todo para los que si padecimos/o adoramos todas y cada una de esas películas ochentosas que veíamos los sábados por los canales de aire: 16 Candles, The breakfast club, Say Anithing, etc. Entonces apela a una serie de citas en el sentido moderno de la palabra (esto es cita textual, referente de donde se la saca) para construir  su argumento. El guión es predecible, los adolescentes están pasados de edad...¿entonces que la diferencia  de otros films ochentosos o de  adolescentes? ¿y porque digo que esta muy bueno?

Primero los actores, si no fuera por los actores esto no se toleraría, hay cada monstruo (algunos un tanto desaprovechados) en este film: Malcom Mc dowel (mega-desaprovechado), Thomas haden Church (bien es como el  profe de The breakfast club pero un poco mejor), Lisa Kudrow (sigue siendo Phoebe pero esta muy bien y un pequeño giro que sorprende). Pero son los realmente enloquecidos padres de Olive: Stanley Tucci y Patricia Clarkson, y la enloquecida ferviente religiosa interpretada por Amanda Bynes, los que le  aportan mas frescura y divertimento al asunto. Tanto que una termina diciendo: "Quisiera tener unos padres como Patricia y Stanley". 

Al final uno se termina preguntando cuantos de los "gags" terminaron improvisando y cuantos estaban en el guión realmente. Emma Stone hace un trabajo genial, porque hay que  hacer de contraparte y protagonista rodeada de todos esos para un film (que manteniendo el tono Hughes) larga un par de barbaridades-al estilo Daria si me permiten acotar-  respecto de la religión, el sexo, la moral y las "buenas costumbres", Molly Ringwald era una flor de mojigata al lado  de esta pelirojita. Es  como meter en una coctelera las pelis de John Hughes, y sumarle el toque ácido justo, y un poco de Glee y Gossip girl (Penn Badgley  es el Jake Ryan de turno), sin ser pretencioso o perder el encanto. Divertida y resfrescante. Y como siempre una termina deseando ver mucho  mas de Patricia Clarkson: ¡¡¡GENIA!!!!

Esto  es todo por hoy amantes del septimo arte!




lunes, 20 de diciembre de 2010

Movie # 377 Resident evil 4: afterlife (2010)

Como reconozco que, me he ido a la tremenda con los film clásicos, en estos días  se viene una seguidilla de films contemporáneos y empezamos por este, el 4to exponente de una saga de Zombies, a la que -yo se que para sorpresa de todos- le tengo mucho afecto.

Pienso que Resident Evil se impuso como una saga particular dentro del género zombie, lo mismo ocurre con 28 days (y weeks, y proximamente Months) later. Los zombies están de moda y la existencia de ellos hasta en series televisivas, es la prueba viviente de eso (o tal vez mejor decir ¿ no-viviente?). Ninguna saga de zombies se parece entre sí salvo en una cosa: cada vez se hace necesario imponer mas gore y mas espectacularidad. Dependiendo de la  saga que se trate, los zombies son:  lentos, o corren, o corren como locos, algunos aprenden, otros evolucionan y no se a parte de comer y multiplicarse a  lo loco no hacen mucho más. (son casi como nosotros pero razonan un poquito menos).




ADVERTENCIA: ESTE POST VA AINTENTAR QUE ENTIENDAN PORQUÉ ME ENCANTÓ ESTE FILM Y POR ENDE ESTE POST VA A INTENTAR QUE VEAN ESTE FILM A TRAVÉS DE  MIS OJOS CINÉFILOS. (En otras palabras ella sabe que para muchos esta película  califica como basura y porque se ve que inconscientemente le encantan las causas imposibles, lo va a defender a muerte, casi como la Jovovich versus un ejercito de miles de zombies)

Lo primero: es entretenimiento, esto no quiere decir que dispersión se contradiga con inmersión y contenido - no  corresponde tener esa discusión a esas alturas de la  vida- pero tampoco es ciencia, ni pretensión, es un film de acción y zombies, asi que uno de los puntos a favor de esta saga es que sabe no va a revolucionar nada ni lo intenta (no no es pretenciosa como avatar o la Red social) es lo que es, un film para facturar y pasar el rato. Así que ya tiene un punto por no ser más de lo que es.

Por otra parte, Residen evil, es sin dudas una de las sagas zombies mas extremas y particulares de analizar (si incluso mas que  las  de Romero, porque  a George lo tenemos desde 1968  en el medio y esto es right now): arrancó como algo que no esta el video juego, (yo no soy particularmente fan ni gamer) asi que podría decirse: "adaptacion libre  de..."  y estoy a favor de las adaptaciones libres desde que considero que ni el videojuego es brillante y que todo puede dar lugar a nuevas formas de expresión. Dios nos libre y nos guarde de las adaptaciones textuales. Seamos honestos: son medios diferentes, ni el cine tiene la interactividad del game, ni el game muestra una progresión dramática dependiente  de una historia, sino  que depende de la habilidad  y  las pericias del gammer. Lo interesante de analizar en Resident evil es como a medida que la saga añade un nuevo capítulo va mutando en un video-game que no es Resident Evil pero se le parece un poco. En ese sentido  Resident evil es  como las criaturas que presenta una mutación  constante. En esta versión aparecen  los Redfield: Claire y Chris, y Wesker (¿se escribe así?) como antagonista principal. Creo que si siguen así, para la próxima lo  meten a Leon(cito) S Kennedy. (mas simple: me encanta porque los gamers la deben odiar  mucho mas que todas las  entregas anteriores probablemente, porque es como una  cinemática de casi dos horas de un videojuego que  nunca existió).

Ahora vamos a lo irracional e injustificable - o sea no tengo un porque- adoré el comienzo y no podía dejar de pensar mientras lo veía que era  como la escena "jacques Demy" acerca del spread de un holocausto Zombie: la lluvia, el plano cenital de los paraguas, algunos de  colores otros no, los créditos de inicio, por ende el  espíritu de Demy estuvo todo el  tiempo conmigo mientras miraba el film, no me creen, comparemos:



y a partir de ese momento en mi cabeza empecé a trazar todos los paralelos entre Anouk Aimee y Milla Jovovich, para mi era  como una versión extrema  de Anouk aimeé en Lola, cazando zombies y mas que nada muchas criaturas mutantes.
Me encanta que nada tenga que  ver con nada, es decir que no haya tanta causa y consecuencia, que justo cuando venís  siguiendo una especie de trama, de pronto te digan "no no era asi" es esto otro, que se encuentren con  uno en la cárcel y que justamente es el hermano de Claire (de todos los lugares en el planeta vos vas y justo caes con Claire ahí), que las escenas de acción sean terriblemente exageradas, pero por sobre  todas  las cosas que las mejores escenas de acción  las tengan ellas.
Resident evil tiene un tono en relación a la figura femenina que  no  se ve tanto en hollywood como  quisieramos (sobre todo yo): ellas se ven bellisimas, perfectas y no necesariamente objetificadas  en el tono que " robert  rodriguez/ tarantino" nos tienen  acostumbrados porque ellos tienen  un tono tremendamente perverso al hablar de ellas. Ni hablemos de Nolan con sus damiselas que parecen arrancadas de folletines de 1950, o Fincher cuya definición de mujer es "cuanto mas varoncito, mejor" encerradas en un mundo de hombres permanente. Por lo menos Paul ws Anderson no las pinta ni de Azul, ni las desnuda todo el tiempo, ni las mata asfixiandolas, ni les pone piernas de ametralladoras, y a parte, se nota que ama a su mujercita, ¿¿¿como no amarla??? tambien yo la clonaria diez mil veces a Milla si fuera necesario!!!. (a parte ahora que lo pienso, el que esta re objetificado acá es Chris Redfield, había olvidado la facha  de Wentworth Miller, ven las mujeres van a amar esta película mas que los hombres)

Así que si, resident Evil afterlife es el colmo de los anacronismos ( y de los espacios mejor  ni hablemos, abrir una puerta en un barco en un film así implica que haya una habitación como de 200mts por 50 mts de alto, que en medio de un holocausto zombie nuestras protagonistas hayan cambiado el color de  sus cabellos, el look, la ropa ¿¿¿¿ díganme no es genial???) el colmo del feminismo, el colmo de las adaptaciones libres, y el colmo de las cámaras lentas y el estilismo, con una banda sonora que la rompe (música de APC incluida) y se que por las razones que la amo, todos la deben estar odiando.

Lo único que le falta para ser genial a esta saga mutante, es en la quinta poder tematizar todos los anacronismos del film, pero de nuevo me parece tan estúpido pensar un anacronismo como un error  cuando la propuesta parte de una inverosimilitud tan grande como la de un "holocausto zombie" y "una mujer vs el mundo" . Vayan a freír churros amantes de la verosimilitud y de las consecuencias lógicas a una causa. A veces las mujeres sólo queremos divertirnos.
Lo único que realmente lamento fue no llegar a verla en 3d, creo que sí hubiera valido la pena! (pero la sacaron enseguida cuando estrenaron la porquería del Juego del miedo 5000 en 3d)

Esto no es todo por hoy amantes del séptimo arte!

PD para las personas sensibles: la autora de  este post sabe que Paul W S Anderson no es Jaques Demy, ni Louis Malle. Ni ellas actúan tan bien como las señoritas francesas mencionadas (aunque si sean igual de bombas sexys). Pasa que tiene a proyectar todo lo que  le gusta sobre  la película  que esté viendo en el momento.

Movie # 374,375,376 The way you wear your top hat, Fred Astaire (parte 2)




Cuantos de nosotros hemos leído, escrito, pensado o gritado a viva voz: ¡ya no se hacen películas como estas! –luego de mirar film del hollywood clásico-, simplemente porque ya no existe un Fred Astaire, una Ginger Rogers, un Gene Kelly, una Judy  Garland, Vicente Minelli que diriga, Coler Porter, Irving Berlin, Georgre and Ira Gershwing, que escriban esas canciones y melodías, una Cyd Charisse, Jane Powell para que las baile, un Arthur Freed para producirlas, la RKO o  la pobre (y rematada) MGM con  sus estudios para producirlas. No me mal interpreten, pero, a veces me alegro que no se sigan haciendo películas como estas, porque simplemente hay tantas que no vimos esperando por ser vistas por nosotros… Hay tanto legado cinematográfico que puedo admirar que al final de cuentas prefiero que no se hagan, porque digámoslo ¿si todos los días hollywood produjera musicales tan fantásticos como estos? ¿Si invirtiera en actores que además de ser “algo bello de ser  registrado por una cámara”, eran talentosos y sobre todo tremendamente profesionales como para hacernos creer que las escenitas que ellos realizaban eran simples? ¿Si todos los directores tuvieran esa imaginación para concebir esos cuadros delirantes, con un terrible esfuerzo humano detrás,-y no me refiero al esfuerzo digital que también sabemos, lo es- el esfuerzo físico de construir y encima después tener que desmontar esos tremendos decorados…. (Nótese que dije “si todos”, porque hay algunos pocos directores que sí tienen esa imaginación: Tim Burton a la cabeza de la breve lista)

Los tres musicales que restan sobre Fred Astaire y que tuve el placer de ver esta semana ( en el post anterior comenté sobre Follow the Fleet, Carefree, y The Barkleys of broadway) tienen entre si, todos esos nombres que mencioné con anterioridad  y muchos más que mi limitada y humana mente pasa por alto… (Por eso agradezcamos a IMDB)
Sin dudas no me queda otra que decir que la versión femenína de Fred Astaire era la señorita Eleanor Powell y eso lo podemos ver en Broadway Melodie  of 1940, con musica de Cole Porter, coreografías increíbles  pensadas para esa maravillosa fotografía en blanco y negro (ni hablemos del trabajo con espejos que tiene todo el musical del final). Nuevamente un musical que gira en torno de la creación de un espectáculo musical y los castings (en este caso) de nuevos números musicales (encima deliberadamente) para ser puestos en pantalla (usando la  excusa de un teatro) podría decirse que este film nos recuerda porqué, el  cine está mas cerca del circo, que de cualquier otro espectáculo artístico. Este musical me hizo preguntarme –imagínense- ¿porqué el Tap se puso de moda en el cine hollywoodense en primer lugar? ¿Por qué Tap y no otra cosa?  Entonces me puse a leer un poco sobre los origenes del Tap, en el Veaudeville norteamericano (y sumando 1 + 1 o popular + cine nos da 2).
 Es un musical interesante mas que nada porque en él Fred no arranca como la estrella, sino que su “alcoholico amigo” lo es, Interesante de ver, además, por los giros  en el tema y ver como Hollywood puede salirse con la suya, al aligerar cualquier conflicto,  ya sea alcoholismo u productores a los que les gusta perseguir jovencitas y estafarlas: con música de Cole Porter y mucho ingenio. (No se si estoy a favor  de la vanalización, pero por lo menos se que la prefiero al destape en el que vivimos en el que todo vale, y todo depende de la rápides en la que actualices tu estado de facebook, porque ese es un tipo de vanalización diferente)

Lo cierto, es que en una época en la que no se podía decir mucho (código Hayes), había que recurrir al ingenio para meter problemáticas e ironizar sobre temas como “los productores mujeriegos” o “las celebridades brindadas al exceso que son espejos de colores “sin mucho talento” y los musicales suelen (solían) darse el lujo de decir las cosas, e ironizar en el marco del género porque, con  la música, los vestuarios y all that jazz  las cosas pegan pero en otro nivel.

Ahora que podemos decir  las cosas (¿podemos? ¿queremos? ¿lo hacemos?), decimos tanto, no nos guardamos nada, pero al decir todo, da lo mismo que si dijéramos nada….  (Momento de melancolía en el aire)

Pero, volvamos al Vaudeville mejor (que paradójicamente significa la voz de la ciudad) y no se si lo sabían, pero una vez, en una galaxia que ya  nos parece bastante lejana, existió un señor llamado Ziegfeld, que tuvo la Follie mas importante (con las mujeres mas bellas, los mejores sketch, capo cómicos, capo cómicas, y demás gran etc) de Estados Unidos (no, no como un Sofovich de Argentina, o sea si pero con mas clase, arte y dinero, esas pequeñas cosas que marcan la diferencia) al principio del siglo XX. Como Hollywood “is Bigger than life” (y más por aquel entonces) la MGM no  tiene mejor idea que comparar con las Follies de antaño (y lo bien que hace) a todas las estrellas musicales (actrices, actores, cantantes, directores, etc) que figuraban en su nómina en 1945, y estrenar  “Ziegfeld Follies” (créanme que son  muchos muchos muchos nombres los que figuran, hasta Fanny Brice, la verdadera, que después  sería interpretada por Barbra Straisand en Funny Girl y su secuela).


Voy a mencionar mas que nada, a los  que me  encanta mencionar: los cuadros musicales dirigidos por Vicente Minelli, (para que vean tiene hasta una secuencia en animación stopmotion este film que es fantástica) los de  Fred  Astaire, y  sobre todo el  de Fred Astaire con Gene Kelly.  Verlos bailar a Fred y a Gene juntos  (tap) te hace dar cuenta todas las diferencias  que existían entre ambos y  que en cuanto a  Tap se trata, Gene, vos tendrás la facha y el ingenio para las acrobacias, pero Fred se mueve como una pluma (ciertamente parece que vuela, no que baila).  Esta cinéfila  no podía contener la risita pícara cada vez que estos dos se dirigian la palabra por sus nombres reales, y es que todo  el cast de este film figura “As himself” prácticamente (salvo el  de los Sketch cómicos). Si, se trata del auto-halago de una industria, que  déjeme decirles, por aquel entonces se lo merecía realmente los halagos. Así que desborde de trajes, de mujeres bellas (imperdible a Judy Garland y su Sketch es para morise de  la risa, de la ironía y de lo genial que era, y como si fuera poco esta la Grayson, y  Cyd Charise en un tutú rosa bailando con sus interminables piernas) exceso en todo (a veces cansa el exceso sobre  todo porque está organizado como una presentación teatral, en cuadros y uno tiene ganas de saltearse alguno de los cuadros “no tan buenos”, mas que nada los de los comediantes). Pero acá apoyamos los excesos y el pastiche, y la suceción de cuadros sin tener encuenta la trama. Sin embargo, les advierto que probablemente este film  sea “el horror, hecho película” sobre todo para los  que no toleran un film sin una trama y lleno de cuadros musicales.

Y si del horror hablamos, pasemos a nuestro último musical de Fred del post (si mal  no tengo entendido, también es su ultimo musical en pantalla grande) de 1968, Finian´s Rainbow.

Ahora bien, irónicamente digo lo de “Horror” porque  este film tiene todo para que los que aman los musicales, lo odien, y para que los que odian los musicales lo odien todavía más. (Yo lo amé, ya saben que me caracterizo por llevar la  contra):
-         primero: la extensión, dura dos horas y media o tal vez un poco más, y eso puede representar un inconveniente para muchos (fans del género y no fans).
-         Segundo, no es un musical tan ligero porque se mete con toda la lucha de razas y conflictos raciales y la discriminación en Norteamérica, incluso está visto desde el lado que una vez fuera una minoría inmigrante: “los irlandeses en Norteamérica”.
-         Tercero: no se preocupa por la trama, la trama es casi digna de cuento de hadas, y termina sin preocuparse realmente por el destino de su protagonista, en ese sentido ¿A dónde está el arcoiris de Finian? Es algo que cualquiera puede preguntarse y quedarse tranquilo que la respuesta la tendrán que dilucidar ustedes mismos.

Ahora bien ustedes podrán decirme ¿pero amaste “eso”? Y yo digo “¡hay, si  y no saben cuanto!” Primero porque no representa simplemente el  último musical del señor Fred Astaire en pantalla grande, sino que al igual que como dice Ferrand (Truffaut) en “la noche americana” “con el desaparece  una era del cine”, y es que aunque Fred no haya muerto hasta muchos años después de esto,  para el cine, la muerte es el exilio de la pantalla grande, no solamente Fred, sino los musicales, ya no serán nunca más lo que alguna vez  fueron… si llegarán Fosse y un par más después de 1968, pero este musical marca el fin de una era, La de los grandes musicales de Studiosque paradójicamente se inició con un arco iris y termino con otro .
Está dirigida por Francis Ford Coppola, aunque usted no lo crea, y por suerte no es el mismo Francis Ford de “El padrino”, es el que me gusta. Se nota su presencia aunque este sea su primer film (por lo que si temáticamente es el fin de  una era es el comienzo de otra) Son brillantes los números musicales del pueblo y la manera en la que es utiizado el espacio, y los escenarios naturales. Pero más se hace notar su presencia en el modo en el que lentamente  se va metiendo en la historia el conflicto racial, (en realidad desde el principio notamos que la historia se divide entre los que  pueden,  que tienen dinero y los que no) incluso se podría decir  que  el “pueblo del valle arcoiris” es lo  más parecido que se vio a una comuna, porque todos viven en la única parcela que el estado representado porel intendente no pudo comprar…. Y es entonces cuando a todo esto llegan Finian, su hija y un caldero de oro mágico robado a un duende (no nos olvidemos que es musical) para ponerle   mas salsa al asunto. Por lo que definitivamente no puedo culparlo si después de dos  horas y media, mucha trama paralela y muchas canciones cuasi-irlandesas (bellísimas) que acelere el final de Finian, de hecho, para mi fue el mejor final de todos los posibles, Finian o mejor que Finian: Fred Astaire,  despidiendose literalmente diciéndonos: “Goodbye mi  friends I see you all in Gloca Morra” (con acento irlandés) haciendo una última pirueta, yéndose por el camino (que no era amarillo) con el arcoiris brillando de fondo mientras suenan los compases de “How Are Things In Glocca Morra?” (Petula Clark es inolvidable). Y a mi se me caían los lagrimones… ¿A dónde queda Gloca Morra? Por ahí, es toda su filmografía, todos y cada uno de los momentos inolvidables que Fred Astaire le brindó a la historia del cine y a donde cada uno puede ir cada vez que oprime play.
----------------------FIN----------------------------------(del post doble de Astaire)

domingo, 19 de diciembre de 2010

Movie # 371,372,373 The way you wear your top hat, Fred Astaire (parte 1)

 Acabo de ver seis musicales del Señor Fred Astaire porque quería escribir mucho sobre él, así que como verán estoy en mi salsa ¿o en mi tap-dance? Con este post.

A ver todavía me debato en si ir cronológicamente o si en atravesar las películas que ví, temáticamente….

Ganó temáticamente: (y el post va en dos partes)

Ginger Y Fred, Fred Y Ginger.

Saben, podría decirse que muchos films de ellos son básicamente la misma historia, una excusa para cantar y bailar y una boda al final, podría decirse: chico ve a chica, chica no le da ni la hora, entonces chico canta y baila para la chica (que resulta también cantaba y bailaba) entonces chico se gana a chica y fin.  Pero no. La genialidad de ellos radica en la sutilezas de cada cuadro musical, y en cada escena, que hacen que cada film sea diferente entre sí, teniendo algunos film de los "buenos" a nivel guión, otros de los buenos a nivel musical, y un puñado de los verdaderamente GENIALES en todos los niveles. (Shall we dance, The gay divorcée, y para mi aunque  narrativamente no aporta pero es fantástico y tiene uno de mis momentos favoritos de la historia del cine cuando Fred le canta a Ginger: The way you look tonight en Swing time)

En esta ocasión me deleité viendo otros tres films de la pareja mas memorable cuando de bailes de salón y tap y musicales hablamos -a ver a modo de adivinanza cinéfila, la respuesta abajo-

¿En que film Fred Astaire interpreta a  un psicólogo que tiene que  analizar a la novia indecisa de su paciente Ginger Rogers?

Pistas: 1938, RKO, dir. Mark Sandrich 
Creo firmemente que si todos los psicólogos bailaran como Fred, le tendría mas fé al psicoanálisis. Lo divertido de todo el asunto es ver como a lo largo del film logran minimizar dramáticamente al Psicoanálisis, en un nivel superior, podemos decir  que  el es mas destructivo que Patch Adams y tendrían que retirarle su licencia, y ella, no es tan indecisa, sabe lo que quiere, y la verdad que no quiere pasarla mal. Pero el diagnóstico sería que ambos definitivamente están locos, porque cantan sus sentimientos y emociones todo el tiempo eso probablemente debe ser alguna patología para el psicoanálisis que le encanta sacarle la diversión a la vida del cine … Es un film de los no-tan musicales pero si muy divertidos de ver, sobre todo para los que se horrorizan como hoy en día los medios televisivos vanalizan la violencia de género. -Pobre Ginger casándose con un ojo negro (ironia)-
Algo que es innegable es que la magia de ambos, que para mi radica, en como pueden  hacerle creer al espectador: que se aman, se odian, que se quieren matar, que se divierten o se aburren (y encima hacerlo mientras cantan o hacen mímica y bailan en un cuadro musical). Son esos pequeños gestos, las miradas entre ellos: una lágrima a tiempo en Ginger, una risita de Fred, una frase ingeniosa de ella, una frase ingeniosa de él; a las que me rehúso llamarles química, porque prefiero seguir llamándole mágia y talento. (la química es una ciencia y el cine es algo que verdaderamente excede la suma de sus partes, no a las teorías del cine, sobre todo porque  nadie vende “Fred Astaire embotellado” para bailar como el) En Follow the fleet (1936), cuando ella le ve a él, de verdad llegás a pensar que fueron una pareja del espectáculo que se separó cuando ella rehusó a casarse con el. (La escena de la mesa en el bar, tiene esa cosa de “que bueno verte después de tantos años, pero no voy a olvidarme de lo que me hiciste” y mucho reproche guardado esperando a aflorar en cualquier momento  que -como corresponde-, finaliza con ellos ganando un  baile como en los viejos tiempos… ¿que  mejor manera no?
Bake and Sherry  (Follow the Fleet-1936, RKO, Mark Sandrich, musica: Irving Berlin) 

Y lo cierto es que podrían odiarse, llevarse pésimo o estar tremendamente aburridos de tener que filmar películas el uno con el otro pero, por suerte, nada de eso trascendia en la pantalla.

En 1949, ambos regresarían sólo para no volver a cruzar nuevamente sus  caminos cinematográficos nuevamente: “The Barkleys of Broadway”. ¿Nunca se preguntaron si “The Band Wagon” y “Singing in the rain” son tan brillantes porque sus guionistas: Betty Comden y Adolph Green eran los brillantes? Es claro que después ambos musicales tuvieron la suerte de ser dirigidos por dos directores geniales, y por tener un reparto de lujo y toda la maquinaria detrás. A veces me lo pregunto porque, yo estoy resignada a que un Americano en parís sea mi musical favorito de la época (aunque hay demasiados), pero que  este no posea un guión tan brillante como los mencionados. Pero  regresemos a esa JOYA dela CINEMATOGRAFIA que es The Barkleys of broadway.

Está claro que está pareja de guionistas la tiene mas que clara para reflexionar sobre el mundo del espectáculo (ya sea el cine o el teatro) y para entregar personajes para los que a veces el espectáculo es (como corresponde) mas grande que la vida misma, además de ser lo suficientemente sagaces como para jugar con los intertextos y citas que cualquier cinéfilo adora encontrar.

Reunión de una pareja histórica en un film sobre una  pareja del espectáculo en crisis: hasta cada halago guarda dentro de sí un potencial motivo de pelea. Pero las peleas son el motor de esta  pareja, entonces: la magía de Fred y Ginger sigue allí después de tantos años: los pequeños gestos, y los grandes bailes que los hacen ser las estrellas que son. Un musical fantástico, Oscar  Levant  en el piano y encarnando a esa especie de músico que lo acompaña a todas partes a un director  que a parte es marido de su primera figura ¿o primero es marido y después es director? Musical para calificar como  de los GENIALES que  triunfa tanto en lo dramático (e ironiza sobre eso, sobre  si los musicales son mejores o peores que el “drama serio”) como en lo musical, y que juega con un momento cinéfilo de esos que a esta chica la  hacen llorar mucho: en Shall we dance, Fred le canta a Ginger “they can´t take that away from me”, allá por 1936. Pero paradójicamente no bailan, no era necesario, la emocionalidad del cuadro supera a toda  coreografía que  pudieran colocarle, ambos vestidos de riguroso negro, eran las épocas de  la RKO, era  toda otra década que no tenía la magía del Technicolor tan presente. Y pese a todo sabemos que el Blanco y  negro es igual de irremplazable y que Fred y Ginger pertenecen a ese mundo.

Pero de pronto, el personaje de Oscar Levant tras  urdir una artimaña, logra reunir a la  separada pareja en un escenario nuevamente, (reunión doble, el teatro dentro del cine) y esta vez, en “glorioso technicolor” nos dice a nosotros (espectadores por partida doble) que interpretarán: On of their greatest numbers.... y es entonces cuando Fred comienza a cantar : The way you wear your hat…  pero es a nosotros, que sabemos que nunca más se  volverían a reunir en la pantalla grande, es que nos  llega con toda la melancolía  del mundo:
We may never never meet again, on that bumpy road to love
But I'll always, always keep the memory of... la manera en que ellos bailaban, la manera en que ellos actuaban y la manera en que ambos parecían volar  por el escenario. Por lo menos, pese a toda la melancolía del mundo puerdo decir que  esta fué la mejor manera para terminar una asociación artística de años, ni Ginger sería la eterna pareja de Fred  ni viceversa (aunque a veces parece ser que si). Obviamente  el musical no termina así, MGM no se podía dar el lujo de en un musical mandar a todos a casa llorando de lo lindo… (irónicamente ellos no fueron los primeros propuestos para este film, ni Ginger la primera opción, posteriormente el guión debió re-adaptarse y me alegro  que así fuera, no puedo imaginarme este film sin ellos dos, ven porque no es solamente la suma de las partes el cine…)


PD: el film de la  adivinanza es Carefree (1938)




------esto no es todo por hoy amantes del septimo arte, esto es la primera parte del post sobre  Fred--------------------------------------

viernes, 17 de diciembre de 2010

Movie # 370: Le mépris (1963)

¿Le Mépris o Pierrot le fou? 


Pierrot le Fou, porque si me van a mostrar como se desprecian con Anna Karina, prefiero que lo haga con Anna Karina y Belmondo en  pantalla. Y es más romántico que la mate Belmondo a balazos y termine como termina Pierrot que bueno el final de Lé Meprís.

Sin  embargo, aunque la prefiera a Anna Karina y Belmondo, mis gustos no significan mucho porque a final de cuentas todas son obras maestras.

Debo admitir que, Le Mépris tiene mas encanto que Pierrot Le fou en el sentido que adoro cuando  el cine es tematizado y adoro ver como JLG hace interactuar tantos textos al mismo tiempo:  la novela original que adapta,  el mito de Ulises, el mito del cine, todo lo que se dijo de él y su Anna, que esté Fritz lang, Jack Palance, Carlo Ponti ( y todos los universos que cada uno de esos nombres aportan), que a su vez, todo sea una especie de "El viaje a italia" pero de Jean-Luc, la fotografía de Coutard, la música de George Delerue, y que si vas a contratar a la Bardot, tenes que ponerla en bolas luciendo su perfecta retarguardia. (me mataron de risa como están usados los desnudos en este film, como denuncia de todos los desnudos que alguna vez viste en cine y como obra de arte porque ya que tenes una actriz así y si mas vale que conviene tenerla en bolas todo el mayor tiempo posible, pero no de cualquier manera, sino objetificando su "mítico" trasero).
De hecho no se si me agrada más que Pierrot... ahora que lo pienso este film es más melodramático, mas cercano a Vivir su vida que a Pierrot y no tiene esa cosa de "momento de Trancision al maoismo y su veta mas combativa" que tantos problemas me causó en Pierrot por el simple  hecho de que vi La china, antes que  el otro film. Pierrot es too  much, Le mépris es mas sencillo (en terminos godardtianos, lo que es mas complejo que cualquiera de lo que los otros mortales entendemos por sencillo).



Yo le llamaría "La noche americana" de Godard, pero se que Jean Luc atravesaría el océano y vendría a golpearme solo por  insinuar que se parece en algo a Truffaut (aunque sabemos que sí  se parecen en algunos momentos), una "Noche Americana" pero a lo Godard y con  todo lo que eso implica. A veces pienso que me gustaria ver el mundo (aunque sea tres segundos) a través de los  ojos de Godard y ver si su mente es tan maquinadora llena de tantos pensamientos interactuando al mismo tiempo, como si fueran una red, al igual que sus films, pero que en seguida estaría deseando ver el mundo con los ojos (y el corazón) de Truffaut, porque pienso que ser así de brillante, todo el tiempo las  24 horas del día, los 365 días del año, debe ser abrumador, por ahora con casi dos horas de brillantez, genialidad  y ver el mundo a través de sus ojos, de vez en cuando es suficiente.

Esto no es todo por hoy amantes del séptimo arte!

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Movie # 369 Pierrot Le fou (1965)

A ver que momento feo que me toca tener que tipear a continuación: Pierrot Le fou es el primer film de JLG que no me encantó ni amé. Lo cual lo pone en la categoria "me gustó, pero hasta ahi". Ya se ya se un "Me gustó pero hasta ahí" no es lo suficientemente bueno para JLG, pero convengamos que si es un Godard y es un Me gustó pero hasta ahí, solo eso ya lo ubica por encima del resto de los mortales directores con los que uno se suele encontrar generalmente, porque JLG es JLG.

Pero no se, no  se, en parte como que sigo fascinada con Week-end y La chinoise,  por ende, como que podía ver ciertos elementos que en Pierrot Le fou todavía se estaban desarrollando (la representación sobre la guerra de Vietnam, el tema de el discurso fragmentado entre los dos personajes) que en La chinoise estan perfectos en función de (¿el adoctrinamiento?) y acá todavía están un poquito inconexos. (ella se siente una estúpida sacrílega y desagradecida con los dioses del septimo arte criticando a Godard con algo que no sean los adjetivos  "genial" "fantástico" "Genio" "increible" etc)




No me mal interpreten: momentos de los fantásticos y que amé tiene para tirar al techo, a saber: Anna Karina cantando, Belmondo haciendo morisquetas, citas cinéfilas a morir, bercht, carteles locos, colores primarios, fotografía fantástica, trama interesante, y al jovencisimo Jean pierre Leaud haciendo un cameo en una sala de cine (o sea si hasta es un policial negro, pero lleno de colores!!!)¡¡¡¡¿¿¿¿y entonces porqué me quieren decir no lo amo a este film????!!!!!! (maldición porqué tuve que ver week-end y La china antes que esto!!!)


Poniéndonos serios, que no me guste para llegar "al borde del delirio fanático" no es para tanto, yo sospecho que tiene que ver en parte con el formato widesceen de la pantalla y que no usa las puestas de cámara tan jugadas y alocadas que le caracterizan. Se nota que la cámara en cuestión es mas "pro",  y es mas "pesada" de hecho no noté para nada ese aire como de improvisado (aunque sabemos que no es tan improvisado realmente) y jocoso que tienen las puestas de cámara de "sin aliento" o "une famme est une famme" ( y que después retoma en la china o Week-end), de hecho me toca hacer de abogado del diablo y decir que "se nota que ya no estaba tan entusiasmado con Anna Karina," de hecho hasta se nota como que está cansado de ella durante todo el film, tanto que ya no se pone a perseguirla con la cámara mientras se desviste. Es gracioso que termine el film como termina, y realmente son tan ironicas las voces en off de ambos dos que sinceramente creo que no me gusta porque a  lo largo del film se vive como una atmósfera de cansancio y cierta cuestion de, "tener que hacer lo que se espera de él" como autor, que supongo debe ser eso lo que hizo que no "enloqueciera" con este film de Godard. JLG estaba estresado y atravezando una busqueda de nuevos rumbos (si me preguntan a mi, no se realmente que estaría pasando, pero es lo que prefiero imaginar, en vez de resignarme que JLG tiene un film con el cual no deliré aunque la locura esté implícita en el titulo, lo quiero mucho como para llegar a pensar que alguna vez podría decepcionarme con él, el aburrimiento lo  dejo para Hollywood)

Esto es todo por hoy amantes del séptimo arte!

martes, 14 de diciembre de 2010

Movie # 367& 368: Father Goose (1964) & Patti Smith: dream of life (2008)

Un mix raro y admito que despues de  tanto que escribí en el post anterior no quiero que este sea interminable:
La cuestión es  facil, un  Cary Grant (Holiday) te da ganas de ver otro Cary más, y como  la meta de  este  blog era cubrir la  mayor cantidad de films de Cary posible siento el  orgullo decir que  eh cubierto ya  toda la ultima etapa de la filmografía de Mr. Grant. (sólo me restan ver muchisimas de los treinta y de los 40)






1960The Grass Is Greener 
Victor Rhyall, Earl






Es cierto que algunas las había visto antes, como Houseboat (con la  bellisima Sofía) Charada e Intriga internacional, pero hablamos de un hombre que tiene casi 90 films, además de Godard. (lo anterior es un extracto del  word donde las voy resaltando porque por momentos siento que me voy a perder de tantas).

Si Holiday era la version opuesta de Sabrina, Father Goose es casi la versión opuesta e isleña de "The sound of music" en donde María (un poco alcoholica y malhumorada pero de gran corazón) es Cary Grant  y el capitan Von trap (un poco mas pequeña yde voz mas dulce) es la aquí seria  y mas que refinada Leslie Caron. De hecho  lo anterior fue una maldad de mi parte debo decir, lo adoro a Cary y este film  que no conocía me recordó a lo que es  la mejor parte de Australia, que es Hugh Jackman y su personaje de Drover. Uno tiene pocas oportunidades para verlo a Cary Grant interpretar a un tipo podrido, barbudo, desaliñado y con  malos modales... ¡tan elegante y fino que era el! y justamente en este caso (a diferencia de como  ocurre en The philadelphia Story) lo amas  pese a que abofeteé a la  dulce (aunque muy pesada) Leslie Caron (conste que no estoy  contra la violencia femenina, total se abofetean los dos así que no cuenta).

Pero  mi corazón cinéfilo es muy grande y tiene lugar para todo, por eso me pudo dar el lujo de amarlo a Ca Gran y su inmutable (e inmortal) figura cinematográfica, (seamos honestos, los amamos porque se constituyen casi como mitos delante de nuestros ojos en esa pantalla, no amamos a la persona adoramos amar el mito). Y ahora dedicamos la parte del post que le corresponde a adorarla a ella: Patti Smith.
Pensar que en la entrada anterior hablaba de mujeres fuertes y acá tenemos un documental sobre uno de los pesos pesados de  la historia del Rock).

Debo admitir que no me considero fan de su musica,  reconozco su  grandeza pero no puedo hablar con otra autoridad que la de un espectador frente a una no-ficción sobre una mujer (artista)  con la cual no  está muy familiarizada. Definitivamente como que no aprendés nada de Patti Smith y lo aprendes todo al mismo tiempo. Es un film tan cercano a  My Winnipeg, o quizás Im not there de Todd Haynes,  realizado con una libertad artística tan grande que si duraba   cuatro horas, yo las miraba y me quedaba mirandola a ella caminar por las calles de Paris, y hablar de Rimbaud o recitarlo ¿como no amar eso? ¿como no amar a esa mujer taciturna rondando las calles y las personas, los recuerdos y sus recuerdos, con esa fotografía deliciosa en blanco y negro, en color, y esas locuciones? No soy Fan de Patti Smith pero creo que con este documental aprendí a serlo. ¿Como Godard no la iba a poner en Socialisme?



Esto es todo por hoy amantes del septimo arte!

Movie # 365/366 Holiday (1938) & Justine (1969)

¿Alguien me quiere decir porque una joya de la  cinematografía como lo es Holliday es tan menospreciada? ¿Por que nadie cuando enumera a los  directores/autores mas fantásticos del  cine norteamericano a George Cukor, entre los  primeros? -Lo peor de todo es que lo sabemos, sabemos las infamias que los "malvados" provistos de lenguas viperinas y plumas en busca de "escándalos" decían acerca de sus films: que estos eran "peliculas de mujeres" (y mujercitas).  Ya quisieran muchos directores haber podido transmitir personajes femeninos y actuaciones tan exitantes como las  que nos muestra en la pantalla George Cukor. No señor, siempre estan Hitch, orson, capra, demille, por suerte, me consta que la gente de Cahiers lo trataba bien.

Pero Hollywood, como nos recordó en estos días la fantástica Hellen Mirren, no es precisamente un lecho de rosas para las mujercitas (y si no saben de que hablo, por favor vean el discurso, digno de figurar en cualquier film de Cukor, ¿acaso se imaginan si la Mirren y Cukor hubieran trabajado juntos????)



Sobre todo que (algo que omite Hellen) es la sensación de que las mujeres que triunfan en cine (segun la academia) o  son porque intentan hacer cine como si fueran hombres o "los otros directores" (como Bigelow y sus peliculitas de accion) o porque hacen un cine que deja a la mujer en un lugar pobre de compradora compulsiva, comedia tonta, o romantica incurable y tonta (Hardwicke, Nancy  Meyers, y un etc que no es tan largo) tanto que si fueran films dirigidos por hombres podemos ver el grupo de feministas poniendo el grito en el cielo por la "estereotipada manera en que presenta a la mujer" .Igualmente sabemos que esto no es tan así y que por suerte está LA VARDA que no le demuestra nada a nadie y hace su cine (y la verdad que tengo que decir que nos entiende muy muy muy muy bien) y otra serie de directoras (las menos) que valen la pena. Pero hay que decirlo, el cine contemporáneo está necesitando desesperadamente un Cukor. Las mujeres lo están desesperadamente  necesitando, porque es innegable que algunos de los mejores personajes femeninos de la historia del cine (ya sean jóvenes, viejas, cantando, sin cantar, en melodramas, en comedias y en alrededor de sesenta  títulos mas) los tiene este señor en su filmografía: y Linda Seton debería figurar como uno de ellos.

La sutileza de Cukor (que es diferente a la Sutileza de Rohmer pero igual dejamos asombrarnos por ambos) es en la creación de personajes que "podrían ser como los de otra Screwball Comedie que vean" pero no lo son, sobre todo si miramos con mas atencion y contemplamos "esas pequeñas cosas" que tienen los personajes: Katheryn Hepburn es una diosa, pero es mas  diosa cuando está con alguien como George. (pensar que a ella en este entonces los estudios la consideraban como "Veneno para la taquilla" y no le querían dar ningun rol) La construcción del personaje de Linda es maravillosa, en apariencias esa hija rebelde de familia rica, que se rie todo el tiempo, que desearía para ella una vida mas humilde y que en el fondo es como una niña al borde de un ataque de nervios ( y es que se ve que detrás de tantas risas y piruetas locas) ese personaje   guarda para sí una serie de inseguridades que cuando uno las ve se termina diciendo "esta no es una comedia más" De hecho es una comedia dramática para ser exactos. (cosa que tampoco esperaba ver y le jugó a favor) Cary Grant como siempre es fantástico, pero en este caso está el doble de fantástico porque construye este personaje (comparable al de james Stewart en You can´t take it with you de Frank capra) para el que lo principal es la libertad personal, el saber que es lo que realmente quiere de la vida sin pasarse la vida trabajando ni preocupándose por el  vil metal (o sea casi un hippie pero en 1930???), claro que paradojicamente no es Cary  el  que se luce con su actuación, es Katherine. (había que resignarse a esas cosas cuando se trabajaba con Cukor imagino)

Tengo que mencionar a parte (en el papel de actores de soporte) a Lew Ayres, a quien no conocía y cuya interpretación me fascinó, porque yo no se ustedes si ven la sutileza de la construcción de todos y cada uno de los personajes, porque si la ven no van a necesitar que les diga que el personaje de  Ned Seton, no  es otro "estereotipo" más acerca de "un ricachon Playboy y dado al alcohol mas" porque en todo caso, el personaje de Ned sería otro caso de "ricachon Playboy-sin mujeres amantes a su alrededor" todo ese rechazo y aversión silenciosa que  siente él por su padre (y viceversa),  las maneras (correctas) que pueden adquirir la violencia familiar y la represión patriarcal, y ni hablemos acerca del discurso que le da Ned al inseguro  personaje de Katherine, y las miradas cerca del final cuando  ella promete regresar por el... Una hasta llega a creer que Ned está tan enamorado de Cary como lo está su hermana Linda. Pero el sabe que vive en la sociedad que vive y ocupa el lugar que ocupa (1930) por ende yo  veía en este personaje una especie de  alter  ego de Cukor, para no decir  que tanto  empeño en la psicología y el backstory de los personajes no vienen de la nada... y para que cuando saltamos a 1969 a ver Justin  no gritemos algo como: "ahh pero el viejo cortó polea!", mientras la miramos...

Si Holiday se podría definir como una especie de "Sabrina" en sentido  contrario, en donde el papel fuerte y masculino recae sobre Katherine y el de la joven idealista amante de paris, sobre Cary Grant (si todas las ironias del mundo),  Justine es el equivalente Cukor a Cabaret y los últimos melodramas de Visconti (Muerte en venecia  y La caida de  los dioses). Pensemos que EL SEÑOR tenía setenta años y contemplando el panorama de films de la epoca decimos que incluso para 1969 Justine tiene elementos que son complicados de retratar hasta el dia de hoy: el  primero sería la prostitución  infantil, seguido por una variedad de temas que van desde las drogas hasta el fraticidio y muchas complicaciones mas. Tal vez el  mayor problema de Justine es que trata de abarcar demasiado (una tetralogía de un inglés sobre su estancia en Alejandría) pero indudablemente no podemos decir que Cukor haya cortado polea, sino verla como su etapa de "destape" por así decirlo. El mundo era otro para 1969 y nadie se iba  a horrorizar de nada en  ese entonces,  sobre todo los europeos. Por eso las mujeres (casi el sueño hecho realidad de esta cinéfila) eran las dos bombas francesas  del momento: Anna Karina y Anouk Aimee. Y los caballeros son Dirk Bogarde (que es la parte Visconti del film) y Mikael York (que es la parte Cabaret del film).

El film es dispar, tiene momentos tan brillantes como el sol de  alejandría y otros muy bajos -quizá mas cercanos  a la  moda del momento- ¿digo yo porque utilizar el zoom cuando tenes kilometros para mover la maldita cámara?! (modas que nunca voy a entender....) Tal vez  lo mas brillante de todo sean las interpretaciones de Anna Karina  y Dirk Bogarde, Anna karina de odalisca prostituta adicta  al hachís, te deja sin palabras,  sobre todo porque ella tiene esa cosa  que decis "cualquier hombre correria a rescatarla, es tan fragil como una rosa en medio de toda esa mied** de decandencia que la  rodea" . Dirk Bogarde se pasa de melodramático y actuación contenida, para despacharse en dos escenas (la que tiene con Anna karina en el Hotel y  la  que tiene con Anouk Aimee por teléfono) que son para rasgarse las vestiduras y gritar: ¡¡¿COMO NO LO IBAN A ELEGIR PARA MUERTE EN VENECIA Y LA CAIDA DE LOS DIOSES?!! .

Yo la quiero a Anouk Aimee y digo ella está brillante porque sin dudas respeta y actua de maravilla las ordenes de dirección: constituirse como figura estatuaria,  inalcanzable,  impredecible, e indefinible desde el primer fotograma, pero debo admitir que los preferí  a los dos monstruitos actorales del párrafo anterior,  que pese a toda la decadencia no dejan de parecerte humanos.Finalmente, Mikael York es muy hueco no se nunca me cierra como muy  pacato para envolverse entre esos minones tremendos que se encuentra haciendose  el extranjero que desconoce las costumbres, el mismo sentimiento que me produce su personaje en Cabaret.

Justine no es el típico film que uno suele asociar a Cukor o tal vez si lo es (melodrama, personajes femeninos fuertes, ambiguedad de personajes masculinos) pero dice las cosas de manera tan explicita y manda cada barbaridad explicitamente que podría estár mas cercano a Jhon Waters (mentira mas bien Visconti porque cukor es un tipo fino y de alta cultura  y clase) : No se van a olvidar nunca del cabaret de Anna ni de la fiesta de carnaval que si me preguntan funciona casi parodicamente respecto a su film  anterior: My Fair lady, de hecho, todo podría ser una gran Parodia a la cultura inlgesa planteada en el film de la Hepburn y la Aimée ser la version libertina y mundana de Audrey, ya que para peor o mejor de todo, son muy parecidas en  aspecto, voz y modos de actuar. Barroco, complicado y casi digno de grabado egipcio o arabesque musulman. No es nace una estrella y no es Holiday,  es una rareza en  su filmografía y me hubiera encantado ver que otras cosas mas hubiera hecho de haber seguido trabajando con mas actrices francesas y contrapartes europeas. No es tan fácil de amar como las otras, pero esta melodramática chica cinéfila la adoró, ahora solo necesita encontrar una mejor copia del  film (que el vhs ripeado del que la vió) para admirar la  fotografía  y  los colores (amarillo amarillo y amarillo por sobre todas las cosas), por lo menos demos gracias que la version no era pan scan.

Les dejo foto de Anna Karina/odalisca para terminar este tremendo post:



Esto no es todo por hoy amantes del septimo arte!

domingo, 12 de diciembre de 2010

Movie # 364:Les rendez-vous de Paris (1995)

Creo que demasiadas veces en el blog utilicé la palabra "Rohmeriano" como calificativo a muchos films que bueno, tienen esa cuestión basada en la importancia de la conversación, las personas en contraposición al paisaje, o mejor dicho integrándose al paisaje, y esa "cosa" de "obra de cámara" que parece rodear un film minimalista que al final termina sintiéndose como imprescindible...


Creo que eso es Rohmer. No se si es porque es verano, no se si es porque llueve, no se si es porque las hojas se mueven entre las copas de los arboles o qué pero, Rohmer te alegra el alma como una brisa de verano en medio de tanto.... (no sé tanto qué) pero a ver... como poner en palabras esta sensación que me invade cada vez que veo uno de sus films (complejo  muy complejo)

Es como algo que no necesitas ver, de hecho ni te preocupas si existe o no, pero de pronto cuando lo estas viendo, te das cuenta lo mucho que necesitabas de eso, lo mucho que ¿tu alma? ¿tu sensibilidad poetica? ¿tu vida? ¿tu vista? andaba necesitando una simpleza que solo es el resultado de una grandeza y una sensibilidad artística increible.

Ustedes dirán: ¡otra  película sobre parís! y yo les responderé: -¡Si otra película sobre Paris! (Yo que ustedes me resignaría al  hecho de que estas 500 peliculas estan en un 70% destinadas al cine clásico, el francés, y que todo el resto se reparte entre films de terror, e independientes de otras nacionalidades quedando en último lugar los estrenos Hollywoodenses y el cine argentino, sólo por falta de tiempo).

Lo que me encanta de ver tanto cine francés, es como uno puede llegar a especializarse e ir diseccionando sin recaer en esa frase y generalizacion de "cine frances" que tanto miedo me da... (¿como se puede embolsar toda una cinematografía en una sóla etiqueta?) Saber que Godard es para enriquecer el humor acido y la mente, que Truffaut es mi alma gemela y Demy mi alma gemela en tono musical, Resnais está para  la memoria y mis momentos depresivos en relación con el paso del tiempo y que las personas se olvidan de todo, Chabrol para, (todavía tengo que encontrar para que me sirve chabrol porque me encanta pero siento que está muy polarizado el asunto, basicamente entre mi nececidad de suspense y la crítica con clase para cierta clase) y finalmente que Rohmer está para esos momentos en los que estoy saturada, estresada y visualmente contaminada con tanto que hay para ver en el universo. Rohmer está para cuando necesito sosiego.

En 1995, Linklater estaba estrenando la película que para mi en ese entonces, era lo mas cercano a lo que "debería ser" el amor: charlas interminables, interesantes, y  caminar sin rumbo por calles europeas para terminar con una promesa y seguir adelante. A mas de 15 años, es decir con 15 años mas de cine y de vida, puedo decir que si, definitivamente si  la vida no puede ser  un musical, debería ser así: charlas interesantes, caminatas sin  rumbo por calles y terminar con una promesa, sólo que ahora  le puedo sumar tantas otras películas: Hiroshima, mon amour, Un hombre y una Mujer,  Besos robados,  Vacaciones Romanas, Wishpers from the heart ¡si  hasta un americano en paris! son charlas constantes (bueno canciones) de personas por paris, para mostrar que la historia, el género, el lugar y las epocas pueden cambiar, sólo para parecerse mas. Lo que nos recuerda todavía mas la variedad de estilos y la sutileza de matices (casí digna de un pintor) que puede  adquirir el ya tan trillado lugar común de: Chica conoce chico y viceversa.

En 1995 Rohmer estaba estrenando este film (hubiera amado más, verlo en ese entonces, pero no adoraba a Rohmer, era y fue el que menos me convencía de la Novuelle, culpo a verlo en situaciones de parciales para una materia y de prepo sin introducción o ton ni son): sobre encuentros casuales, amorosos, furtivos, momentáneos, finales, de parejas enmarcados en la ciudad de París. Sólo me queda decir que si Paris, te amo, hubiera sido así, la hubiera amado en serio... Incluso cuando uno de sus personajes habla sobre  las charlas y las banalidades no podes dejar de pensar "cuanto necesitaba ver este film", olvidarme de los efectos,  de la maquinaria, del humo, de los actores demasiados acartonados con diálogos y balbuceos imposibles, de seres sobrenaturales, de nerds, de magos, de todo... no sabía  cuan estresada y des-centrada estaba hasta que vi este film.

y finalmente pensaba, mientras trataba  de  definir la sensación que es ver un film de Rohmer y que no se  repite con casi nadie mas (salvo con Linklater  en ocasiones y con  cierto tipo de cine oriental) que es como salir a pasear, o a contemplar un paisaje, ¿es poético  el paisaje? yo creo que no, sin nosotros no existiria la poesia. Rohmer es eso,  es un paisaje, son  momentos y situaciones que nos hace recordar cuanta poesía hay en las pequeñas cosas de la vida, para las personas que, si bien no estamos buscando encontrarla, al verla nos damos cuenta cuanta falta nos hacia y que una simpleza aparente encierra una complejidad inabarcable: Rohmer es la naturaleza humana. Lo extraño a Rohmer.

Esto  es todo por hoy amantes del septimo arte!